viernes, 20 de diciembre de 2013

Instrumentos transpositores

En música, la expresión instrumento transpositor se refiere a un instrumento para el cual la altura de la nota que suena no corresponde a la altura de la nota escrita.

La mayoría de los instrumentos transpositores pertenecen a los instrumentos de viento, tanto de madera como de metal. La regla general es que en una misma familia de instrumentos (los clarinetes, los saxofones, etc.) a una misma posición de los dedos corresponde una misma nota escrita, aunque suene diferente. Esto hace que un instrumentista pueda pasar de un instrumento a otro de la familia sin tener que memorizar ningún cambio de digitación. El uso de instrumentos transpositores facilita la ejecución entonalidades con varios bemoles o con varios sostenidos.

Clarinete
Su familia está formada por numerosos instrumentos, casi todos transpositores. El clarinete soprano, que es el que comúnmente se utiliza en las orquestas sinfónicas y en el jazz, está afinado en Si (bemol). Esto quiere decir que cuando su partitura indica un do el sonido es un si. En las orquestas sinfónicas se utiliza también el clarinete en La. La elección de un clarinete u otro ya está indicada por los propios compositores, que indican qué instrumento quieren y, en algunos casos, dónde hay que pasar de un instrumento al otro. El clarinete en Do, no transpositor, se usa poco. Existen clarinetes más agudos, en Re y enMi. También más graves: el contralto en Mi, el bajo en Si, el contrabajo en Si, el corno di bassetto en Fa.

Saxofón
En el caso del saxofón, la familia es doble. Por un lado los saxofones de las bandas de música alternan el Si con el Misopranino enMisoprano en Sialto en Mitenor en Sibarítono en Mibajo en Sicontrabajo en MiLos saxofones que Adolphe Sax inventó para la orquesta reemplazan al saxofón en Si por el afinado en Do (no transpositores, salvo por octava) y el Mi por el Fa.

Viento-metal
También las trompetasfliscornos y cornetas están afinadas en si o mi; los cornos franceses o trompas están en fa/si (hay una llave que permite que el instrumento funcione como si fuera doble).

Oboe
En la familia del oboe, el contrafagot suena una octava más grave de lo que lee (es un caso análogo al del contrabajo de cuerda); el corno inglés está en fa y el oboe d'amore en la.

Flauta
El piccolo, ottavino o flautín es transpositor. Suena una octava más aguda de lo que está escrito. Otros tipos de flautas de orquesta son transpositoras: la flauta contralto en Fa suena una cuarta más grave que la soprano en Do y la flauta baja en Do suena una octava más grave.
Se ve, pues, que la familia de los vientos es especialmente rica en instrumentos transpositores y que en la mayoría de los casos las tonalidades que se pueden tocar con más facilidad son las que tienen bemoles. Por ese motivo las obras para banda sinfónica se escriben o se adaptan siempre para ese rango de tonalidades.

Flautas dulces
Las flautas dulces son un caso aparte. Si bien la familia alterna las afinaciones en do y en fa, éstas no suelen ser consideradas como instrumentos transpositores (salvo tres ejemplos que se mencionarán). Quiere decir que cuando un ejecutante de flauta dulce cambia de instrumento, por ejemplo entre soprano y contralto, debe tener en cuenta los cambios de nombre que experimentan las posiciones de los dedos; esto quiere decir, que mientras en la Soprano toca un Do, es consciente que en la Contralto tocará un fa, sin siquiera pensar en do.
Las flautas dulces, sin embargo, tienen tres transposiciones:
  • A la octava: en lo más cotidiano, podemos encontrar esto en las flautas soprano y sopranino, que suenen una octava más alta de lo escrito.
  • Flauta dulce contralto en sol: es muy rara, aunque tiene una obra muy famosa escrita para dos de éstas (más violín y orquesta): El Concierto Brandenburgués n.º 4 de Johann Sebastian Bach. La parte de flautas de esta obra, en el original, está escrita en fa mayor, para ser tocada con flautas en sol, y que suenen en sol mayor facilitando los pasajes sobreagudos.
  • Flauta dulce tenor en re. Igual de rara que la anterior; esta funciona con la digitación de do. Cuando toca un do, suena un re. Se puede escuchar en una grabación de Il Giardino Armonico.

  

jueves, 24 de octubre de 2013

OCESA

Como resultado de la asociación entre OCESA Entretenimiento y SeiTrack Management nace “OCESA  SeiTrack” la agencia de representación artística y comercialización de espectáculos en vivo más importante en Latinoamérica.

SeiTrack Management se fundó en el año 2002 como una agencia de representación artística comprometida con el desarrollo del talento Mexicano. Se logró formar un equipo de especialistas para cada una de las áreas que son determinantes para el desarrollo de las carreras de los artistas, lo cual rompía con la vieja concepción de un “representante artístico” y ofrecía una alternativa innovadora y profesional para aquellos artistas que deseaban dedicarse exclusivamente a desarrollar y explotar su talento, sin tener que preocuparse por el difícil entorno de negocios que los rodea.

La mayor fortaleza de SeiTrack Management ha sido el saber identificar y desarrollar talento aportando planificación y crecimiento sustentado a cada artista de acuerdo a sus necesidades. 

Dentro de los artistas que se han desarrollado en SeiTrack Management desde sus inicios se encuentran: Ha*ash, Paty Cantú, Motel y Ximena Sariñana. Dentro de los artistas consolidados que SeiTrack Management ha manejado destacan: Alejandra Guzmán, Benny Ibarra, Sasha Sokol, Pepe Aguilar, Moenia y Kabah.

 

Agencias de representación musical

PANGEA MUSIC
Es una empresa establecida en Houston, Texas especializada en la representación artística, producción musical y promoción de nuevos talentos internacionales. Pangea Music te brinda la posibilidad de contratar, promover y presentar grupos y artistas de talla internacional a través de la contratación directa con nosotros o por medio de nuestras empresas afiliadas.
En Pangea Music estamos comprometidos en promover a nuestros artistas y nuevos talentos en diferentes géneros musicales preparados para asistir a eventos en EE.UU. y México.
SERCA MUSIC
Representantes Artísticos SERCA, nace en 1971 con el fin de acercar al artista con su público, organizando eventos y conciertos en México y Estados Unidos. A la fecha representa a las 25 agrupaciones mas importantes del país, cuenta con oficinas en Monterrey, Distrito Federal, Aguascalientes, Hermosillo, y Villa Hermosa, en Estados Unidos en los Ángeles California.

Siendo una empresa líder en la música grupera, SERCA respondió a la demanda de expandir su compromiso con diversas empresas.
LATIN MUSIC ARTIST
Esta compañía de reciente fundación,consede en Los Angeles, California, tiene como misión ser un enlace entre músicos latinos y la industria de la música en Estados Unidos, México, Centro y Sudamérica. Come miembro de Latin Music Artists, recibes comunicados vía correo electrónico. Basándote en la información de estos comunicados, envías tu música a esta empresa y ellos la envian a representantes artísticos y supervisores de música para cine y televisión. Si tu música es la adecuada para el proyecto que están manejando dichos profesionales, tu carrera puede tomar un giro de 180 grados. Las solicitudes pueden requerir grupos, solistas o compositores de todo género, desde Rock en Español y Pop, hasta música Electrónica y Dance, pasando por ritmos Norteños y Salsa.
Latin Music Artists esta en constante comunicación con editoras, representantes, productores y supervisores de música para películas Últimamente, la empresa ha organizado varios exitosos conciertos presentando a sus miembros a ejecutivos de la industria; el mas reciente fue patrocinado por ASCAP.

OFUNAM

La Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM), el conjunto sinfónico más antiguo
en el panorama cultural de la Ciudad de México, constituye uno de los factores preponderantes del proyecto cultural de mayor trascendencia del país: el de la UNAM. 



Durante más de setenta y cinco años de actividades, la OFUNAM se ha convertido en una de las mejores orquestas de México. Su popularidad se debe a la calidad del conjunto, de sus directores titulares, a la participación de directores huéspedes y solistas de prestigio nacional e internacional, a una programación interesante y variada, al entusiasmo de sus integrantes y a la belleza, la comodidad y la magnífica acústica de su sede, la Sala Nezahualcóyotl. Además, cada temporada la orquesta realiza giras por diferentes escuelas y facultades de la UNAM. Su repertorio abarca todos los estilos, desde el barroco hasta los contemporáneos, incluyendo desde luego la producción nacional.

Si bien el origen del conjunto se remonta a 1929, cuando, a raíz de la recién lograda autonomía universitaria, un grupo de estudiantes y maestros de música constituyeron una orquesta de la entonces Facultad de Música de la UNAM, su fundación como conjunto profesional tuvo lugar en 1936, una vez aprobado el proyecto por el gobierno de Lázaro Cárdenas. Originalmente denominada Orquesta Sinfónica de la Universidad, su dirección fue compartida por José Rocabruna y José Francisco Vásquez, y su sede se fijó en el Anfiteatro Simón Bolívar, de la Escuela Nacional Preparatoria.

De 1962 a 1966, Icilio Bredo tuvo a su cargo la dirección artística de la orquesta, cuya sede se cambió al Auditorio Justo Sierra, de la Facultad de Filosofía y Letras. En 1966, la designación de Eduardo Mata como director artístico marcó el inicio de una nueva y brillante etapa de desarrollo del conjunto que duró nueve años. Fue durante este período que la Orquesta Sinfónica de la Universidad se convirtió en Orquesta Filarmónica de la UNAM. Héctor Quintanar fue nombrado director artístico en 1975. Al año siguiente, la orquesta se mudó a su actual sede, la Sala Nezahualcóyotl. Desde entonces, la orquesta universitaria ha trabajado bajo la guía de Enrique Diemecke y Eduardo Diaz Muñoz (1981-1984, directores asociados), Jorge Velazco (1985 -1989), Jesús Medina (1989 -1993), Ronald Zollman (1994 -2002), Zuohuang Chen (2002 -2006), Alun Francis (2007-2012), Rodrigo Macías (2008 -2011, director asistente) y Jan Latham-Koenig (2012 a la fecha).
  

sábado, 5 de octubre de 2013

Profesiones de la música

  1. Administrador/a de derechos de autor
  2. Afinador/a
  3. Arreglista
  4. Asistente (directo)
  5. Asistente (grabación)
  6. Backliner
  7. Cantante de coro
  8. Cantante solista
  9. Crítico/a musical
  10. Compositor
  11. Copista
  12. Coreógrafo/a
  13. Director/a de coro
  14. Director/a de orquesta
  15. Director/a musical
  16. Diseñador de sistemas
  17. Diseñador de sonido (teatro, cine, etc.)
  18. DJ
  19. Drum technician
  20. Editor/a musical
  21. Foley
  22. Guitar technician
  23. Historiador/a de la música
  24. Ingeniero/a de sonido
  25. Intérprete de agrupación
  26. Intérprete solista
  27. Letrista
  28. Locutor/doblador
  29. Luthier
  30. Maestro/a de música
  31. Manager/representante
  32. Microfonista
  33. Montador/a
  34. Productor/a discográfico/a
  35. Productor/a ejecutivo/a
  36. Productor/a musical
  37. Profesor/a de conservatorio
  38. Profesor/a de música
  39. Programador/a cultural
  40. Realizador/a de videoclips
  41. Sonidista de audiovisuales
  42. Studio-tech
  43. Tape-op
  44. Técnico de mastering
  45. Técnico de monitores
  46. Técnico de PA
  47. Técnico de sistemas
  48. Técnico de sonido (directo)
  49. Técnico de sonido (grabación)
  50. Transcriptor

¿Cómo se organiza un Stage?

Pre-producción
Una vez definido y contratado el evento, el equipo de producción analiza todas las necesidades que pueden ir surgiendo para que el día del evento no nos falte de nada y define y ejecuta las acciones precisas para irlas cubriendo de la manera más eficiente posible. Es importante establecer desde un primer momento las necesidades específicas y calcular y prever los costos que supondrán.
 Información principal:
Para estimar los presupuestos y poder comenzar a trabajar sobre la producción, debemos tener presente cierta información como puede ser:
-          Artista o artistas que intervendrán
-          Recinto donde se va a realizar (abierto o cerrado, público o privado…)
-          Fecha
-          Rider del artista, donde se establecen los requerimentos técnicos y de hospitalidad.
Toda esta información debe estar siempre por escrito!
Necesidades de producción
Las dividimos en dos apartados principales:
1.- Necesidades derivadas del contrato con el artista, como ya comentamos anteriormente:
Rider técnico, donde se reflejan todas las necesidades tipo: medidas de escenario, equipos de sonido, luz, backline, etc.
* y Rider de hospitalidad, donde se reflejarán necesidades referentes a camerinos, mantenimiento, alojamientos, seguridad, etc.
2.- Necesidades derivadas del promotor: con todo lo recogido en el punto anterior visto, damos un paseo por el recinto donde vamos a realizar el evento para comprobar las condiciones del espacio y ver todo el trabajo que hay que organizar y cómo organizarlo en cuanto a:
*  Infraestructuras: escenario, camerinos, vallados, etc.
*  Carga y descarga: cuánto personal vamos a necesitar, qué medios de transporte, cuáles y cómo son los accesos al recinto.
*  Contratación de seguros: puede ser necesaria una póliza para garantizar que estamos cubiertos ante cualquier accidente que podamos sufrir en el proceso de la producción.
*  Material: todos los materiales empleados deben estar homologados.
Seguridad: desde la contratación de personal hasta las necesidades de seguridad de planes de evacuación, prevención de riesgos, etc.
El resultado de todo este análisis será el presupuesto preciso para llevar a cabo a producción del evento.


Producción

En este proceso ejecutaremos todo el visto en el apartado anterior.
La producción del evento consiste en coordinar el equipo técnico y humano para que se desarrolle la actividad en el recinto y tiempo preciso. Debemos tener en cuenta que el proceso de producción no lo terminaos con el evento en sí, sino que, en cuanto se realiza un montaje, tenemos que coordinar el desmontaje posterior al evento.
Resumiendo, para poder hacer la producción el día del evento, necesitamos tener toda la pre-producción perfecta:
-          permisos en orden
-          planes de seguridad elaborados
-          necesidades del artista
-          horarios de pruebas y concierto
-          datos del promotor, artista, equipo técnico…
-          necesidades de personal cubiertas: dirección de producción, personal de trabajo en altura (climbers, riggers, etc.), personal de carga y descarga, backliners, stage manager, personal de montaje y desmontaje, runners… Y no podemos olvidar nunca la hospitalidad para el equipo.

Todo esto deberemos haberlo elaborado en un calendario, planificado y confirmado con cada persona implicada.

1. El montaje


Para el montaje precisaremos de maquinaria especial para poder mover todo el material preciso. Dependiendo del recinto en el que vayamos a realizar el evento, podremos usar un material u otro: carretillas elevadoras, grúas, etc. Por otro lado, tenemos que estar comunicados, tanto dentro del recinto (por walkies, por ejemplo) como con el exterior, por lo que debemos tener siempre una oficina móvil de producción con teléfono, Internet, etc.

Habida cuenta de esto, comenzaremos el montaje con los principales trabajos que serán:
-Delimitar el espacio: debemos delimitar las distintas arenas del espacio, como zonas de paso, la frontal del escenario, backstage…
-Montaje de camerinos, oficinas, etc
-Montaje del escenario: escenario y accesos al incluso, señalizados e iluminados.
-Conexiones eléctricas: tomas de tierra, diferenciales, cubre cables.
-También puede presentarse el caso de que precisemos ubicar bares, elementos de publicidad, etc.

2. El equipo técnico

-          Montaje del equipo de sonido e iluminación
-          Montaje del backline
-          Montaje de cualquier otro tipo de material: proyectores, pantallas, etc.
Todo este material tiene que estar colocado para la llegada del artista, para poder realizar las pruebas de sonido correctamente.

3. La recepción del artista


Si por contrato está así reflejado, seremos los responsables de coordinar todos los movimientos del artista desde su llegada a la ciudad, desde recoger en el aeropuerto, los traslados al hotel, al recinto del evento, etc. 
Cuando el artista llega al recinto, hay que tener listo el camerino y, como ya comentamos antes, todo el equipo dispuesto y en funcionamiento para que pueda comprobar el sonido antes del concierto. Es muy importante respetar y cumplir los tiempos de montaje y pruebas, ya que vienen cerrados desde la pre-producción y no se debe llegar el día del evento e ir con retrasos en el montaje por parte del equipo técnico o del artista, que debe respetar los horarios de pruebas dentro de la normalidad y tiempos estipulados en la hoja de ruta. En casos de fallos de materiales y otros incidentes, hay que calibrar según el tiempo que tenemos y lo que puede llevar arreglar las complicaciones.

4. El final de la producción

Una vez finalizado el evento, deberemos hacer todas las tareas inversas a las del montaje. Es decir, procederemos al desmontaje de equipos y materiales utilizados. También es el momento de encargarnos de los temas relacionados con la administración: pagos, informes finales, etc.



sábado, 7 de septiembre de 2013

Ley de los armónicos

Los armónicos son notas complementarias a una nota fundamental.
Se descubrió que al tensar una cuerda y tocarla se produce una nota. Si partimos esa cuerda a la mitad se genera el primer armónico, si la partimos en tres partes se produce el segundo armónico y así sucesivamente. Aristógenes de Tarento fue un filosofo y músico griego. Él propuso meter todos los armónicos en una sola octava y así se formo la escala aristogénica. Hizo una relación entre los armónicos.
En cambio, Pitágoras realizo una escala hecha a base de quintas. 

Los armónicos determinan el timbre de algún instrumento musical. Depende de ellos el color y sonido de éste.

Mezcladoras

También conocido como consola mezcladora o tablero de mezcla, una mezcladora de sonido combina los canales de audio generados durante una actuación de música o en una sesión de grabación de sonido en general. Un mezclador bien puede variar el sonido de cada canal de agudos, graves o de gama media para que la mezcla final de sonido sea mejor que la suma de sus canales individuales. Aquí se detalla cómo usar un mezclador.

¿Cómo utilizar una mezcladora?

1.- Conecte el equipo de audio a las entradas del mezclador. Los mezcladores se identifican por el número de entradas o canales de audio que proporcionan. Una mezcladora de 16 canales de audio ofrece 16 entradas, mientras que una de 4 canales sólo tiene 4 entradas. Micrófonos y otros instrumentos monoaurales (1 canal) y dispositivos tales como interfaces de audio se conectan a una sola entrada, mientras que los dispositivos estéreo se conectan a 2 entradas, una para el canal izquierdo y otro para el derecho.
  • Algunos mezcladores pueden tener entradas separadas para los micrófonos y reproductores de CD y la cinta, que se denominan entradas de línea. Estas mezcladoras tienen interruptores para cambiar entre las entradas de micrófono y línea.
  • Cada tipo de instrumento musical debe tener asignado su propia entrada. Mientras que 2 trompetas se pueden grabar desde una entrada de solo un micrófono en un apuro, una trompeta y un violín se registrarán por separado en las entradas de audio para que sus sonidos pueden hacerse de manera armoniosa. Algunos instrumentos, tales como baterías, puede necesitar entradas separadas de micrófono para cada componente.
  • Si el mezclador tiene canales de subgrupos, puede agrupar los micrófonos asignados a un instrumento complejo como una batería en 1 o 2 subgrupos, los mezcla por separado, entonces controla la mezcla de la batería en el volumen general con sólo 1 o 2 barras de desplazamiento.
  • En general, mientras más entradas el mezclador de sonido tiene, más grande será. Mezcladores portátiles utilizados en el campo por video realizadores pueden permitir sólo 2 o 4 entradas, mientras que mezcladores de 32 a 48 canales son consolas más grandes que necesitan ser transportados de un lugar a otro en un vehículo o se mantienen en un estudio de grabación.

2.- Conecte el aparato de control o de supervisión para las salidas del mezclador. La salida del mezclador puede ser monitoreada en los medidores VU, así como conectándose unos auriculares a un conector de salida auxiliar.
  • Algunos mezcladores tienen salidas para una determinada alimentación a un monitor separado de la salida principal, así como canales de salida para que el ingeniero de sonido pueda comunicarse con la cabina de grabación o el escenario durante la grabación o el espectáculo.
3.- Encienda las entradas del canal que se utiliza para hacer la mezcla de sonido.Cada canal tiene su propio interruptor on/off.
4.- Encienda la alimentación fantasma para el canal si el elemento vinculado lo que requiere. La alimentación fantasma es corriente eléctrica directa suministrada por la mesa de mezclas a los instrumentos o micrófonos conectados a él. La alimentación fantasma se requiere generalmente para los micrófonos (excepto los micrófonos de cinta), los amplificadores y algunas cámaras de vídeo y también está disponible en las entradas de micrófono.

5.- Ajuste el volumen para cada entrada según sea necesario. Esto se puede hacer con un mando llamado potenciómetro ("pot" para abreviar), aunque el control también puede adoptar la forma de un interruptor, o rodete deslizante conocido como fader. Cada fuente de entrada necesita de su propio nivel de mezcla global para que suene lo mejor posible.
  • Los canales individuales se pueden activar y desactivar temporalmente durante la sesión de grabación con un conmutador de silencio para que la mezcla principal pueden ser analizada sin ellos. Un interruptor en solitario también se puede utilizar para silenciar todos los canales, excepto por un canal en particular para que ese canal se puede escuchar sólo.
6.- Ajuste las bandas graves, agudas, y de gama media de cada canal con los controles de ecualización. Esto ayuda a mejorar la calidad del sonido en cada gama de sonido. La calidad de sus ecualizadores a menudo determina la calidad del mezclador de sonido.
  • Las mezcladoras pueden tener tanto los controles de ecualización para cada canal por separado, así como un ecualizador global que afecta a toda la mezcla de sonido.
7.- Enrute un canal auxiliar los canales que necesiten efectos especiales. También conocido como canales "aux", los canales auxiliares crean una copia de la señal del canal original. El enrutamiento se realiza con un control llamado "enviar".

8.- Panee cada canal en la mezcla maestra cuando sea necesario. Esto se hace con un potenciómetro de panorámica, y es conocido como "pot pan" o "pan knob." Al girar la perilla a la izquierda se mueve la señal a la izquierda del campo estéreo, mientras se gira hacia la derecha se mueve la señal a la derecha.
  • Para los mezcladores con varias salidas, el control pan trabaja en tándem con los botones de enrutamiento. Cada botón de enrutamiento activa un par de salidas. Si el control pan gira a la izquierda, la señal va al bus de salida de la izquierda, a la derecha, va al bus de la derecha, y si va al centro, va a ambas salidas.

Código binario

El código binario esta basado en el principio del sistema eléctrico y las dos posiciones posibles de una llave de corte: Abierto (1) o cerrado (0).
A partir de ahí, devienen todas las combinaciones posibles de estos dos estados para representar diferentes símbolos, letras o f´fórmulas.
Lo que hace un ordenador es analizar e interpretar las diferentes combinaciones de ceros y unos asociándolos al parámetro representado, lo que era muy complejo en un principio ya que las computadoras no podían decodificar y codificar rápidamente la gran cantidad de combinaciones, siendo estas muy largas. Con el tiempo y los avances técnicos los procesadores de datos han logrado interpretar millones de estas combinaciones por segundo, permitiendo el desarrollo de aplicaciones y entornos más visuales e interactivos y un gran flujo de transferencia de datos por segundo.

MIDI

Las siglas MIDI son una abreviatura de Musical Instrument Digital Interface. Se trata de un protocolo de comunicación que apareció en el año de 1982, fecha en la que distintos fabricantes de instrumentos musicales se pusieron de acuerdo en su implementación. Aunque originalmente se concibió como un medio para poder interconectar distintos sintetizadores, el protocolo MIDI se utiliza actualmente en una gran variedad de aplicaciones: grabación musical, cine, TV, ordenadores domésticos, presentadores multimedia, etc.

¿Cómo funciona?

El archivo MIDI no contiene datos de audio muestreado, sino más bien una serie de instrucciones que al sintetizador u otro generador de sonido utiliza para reproducir el sonido en tiempo real. Estas instrucciones son mensajes MIDI que indican al instrumento qué sonidos hay que utilizar, qué notas hay que toca, el volumen de cada una de ellas, etc.
Para los ordenadores, el reducido tamaño de estos archivos implica que un ordenador poco potente puede hacerse cargo de complejos arreglos musicales sin ni siquiera inmutarse. En cambio, puede llegar a ser imposible que una de estas maquinas sea capaz ni tan siquiera de reproducir unas pocas pistas de audio muestreado en calidad CD

Ofrece la posibilidad de editar música con facilidad.
Permite alterar la velocidad de reproducción y la altura tonal de los sonidos de forma independiente.





Tipos de micrófono

° Micrófonos dinámicos o de bobina móvil:
Tienen un rango de frecuencia de 40-16 000 Hz. Es direccional, poco sensible a las ondas acústicas y muy robusto físicamente.
Las variaciones de presión de la onda sonora hacen vibrar el diafragma acoplado a la bobina, ésta se mueve en un campo magnético generando corrientes eléctricas. Se utiliza en muchas situaciones en las que no se puede utilizar un micrófono de otras características debido a su poca sensibilidad, en conciertos o grabaciones de baterías. Con este tipo de micrófonos es más fácil captar la fuente sonora deseada.


° Micrófono de condensador o electrostático:
Su rango de frecuencia es de 20-18 000 Hz. Es de dirección variable, tiene una captación muy sensible y una respuesta en frecuencia amplia y fiable.
Se utiliza en estudio por su fiable respuesta en frecuencia, debido a su sensibilidad es complicado utilizarlo en actuaciones en directo gracias al acoplamiento.



° Micrófono de gradiente de presión o de cinta:
Tiene una frecuencia de 30- 18 000 Hz. Son muy sensible, con una respuesta en frecuencia muy uniforme, con muy buena calidad sonora, son poco robustos y poco compactos, son sensibles al viento y fácilmente saturados en distancias cercanas o fuentes sonoras fuertes. Se usa en estudios, debido a su sensibilidad para grabar tomas vocales, violines u otros elementos con sonoridad no muy elevada.

Formato de audio

Es un contenedor multimedia que guarda una grabación de audio. Lo que hace a un archivo distinto del otro son sus propiedades; como se almacenan datos, sus capacidades de reproducción y cómo puede utilizarse el archivo en un sistema de administración de archivo.

Algunos formatos de audio son:
-WAV: almacena sonidos en la PC
-MIDI: traduce la información (bits), en sonido
-AAC: Advance Audio Coading. Se usa en ipods, itunes.
-WMA: Windows Media Audio, compite con el MP3, es inferior y muy antiguo.
-OGG: es el formato nativo de los códecs multimedia que desarrolla Xiph.org
-MP3: es un formato de audio comprimido con pérdida desarrollado por el Moving Picture Experts Group



Patrón polar

El patrón polar de un micrófono es su sensibilidad al sonido en relación a la dirección o ángulo del que procede el sonido o la calidad con la que el micrófono escucha el sonido procedente de distintas direcciones. Los tipos de direccionalidad son:

* Cardioide: tiene la mayor sensibilidad en su parte frontal y la mínima en la trasera. Esta le ofrece un total aislamiento contra el sonido de ambiente no deseado y hace que sea mucho más resistente a la re alimentación que los micrófonos cardioides resulte particularmente adecuados para escenarios con mucho ruido.

* Supercardioides: ofrecen un patrón de captura más estrecho que los cardioides y tienen un gran nivel de rechazo de ruido de ambiente, pero también captan algo de la señal procedente directamente de detrás de ellos.

* Omnidireccional: tiene una salida o sensibilidad igual en todos los ángulos, lo que implica que es capaz de captar sonidos procedentes de todas las direcciones.

* En forma de 8-bidireccional: capta el sonido procedente de delante y detrás del micrófono pero no de los laterales.



¿Cómo funciona el aparato auditivo?

El oído es un sistema complejo, el primero de los cinco sentidos que se desarrolla en el feto y el que permite el primer contacto con el mundo.
El oído capta los sonidos, los convierte en impulso eléctricos y los transmite a través de fibras nerviosas al cerebro, que los lee e interpreta.

Oído externo
Comprende el pabellón auricular, denominado oreja, el canal auditivo y la delgada membrana del tímpano. Cuando los sonidos llegan a la membrana ésta los convierte en vibraciones que se transmiten al oído medio.

Oído medio
En apenas 1 cm. cuadrado el oído contiene los tres hacecillos más pequeños del cuerpo: el martillo, el yunque y el estribo. Los movimientos provocados por el tímpano se amplifican 20 veces para transmitir al oído interno tanto un sonido prácticamente imperceptible como el de toda una orquesta.

Oído interno
Es una pequeña estructura llamada caracol, hay veinte mil células ciliadas, algunas de las cuales procesan los sonidos fuertes y otras los débiles. Las células ciliadas convierten las vibraciones en impulsos eléctricos que, a través de las delgadas fibras del nervio acústico, llegan al cerebro, donde terminan la sensación auditiva.